Si existe algún lugar donde el fantasma tiene una verdadera razón de ser, ese es sin lugar a dudas el cine. Las películas son las verdaderas casas encantadas, lugares donde los muertos viven eternamente y donde las tragedias se repiten sin fin, siempre prestas a aparecer ante los ojos inocentes (impresionables, objeto de posesión) de nuevos espectadores. Este libro no sólo se aproxima al concepto de fantasma o espectro con metodología pragmáticamente romántica vinculada a las diversas formas culturales y sociales, sino que se sienta alrededor de una mesa, atenúa las luces y convoca a algunos de ellos. Quedan ustedes invitados a unirse a esta sesión sobrenatural y a adentrarse en una selección de los 50 títulos cinematográficos que consideramos imprescindibles sobre la temática fantasmal. Comedia, romance, terror, experimentación, acción, drama, fantasía… Un viaje hacia lo desconocido y hacia lo inexplicable. Un viaje hacia ese Más Allá atrapado en celuloide.
«El libro era mucho mejor.» Una frase que se ha convertido en enseña a la
salida de muchas salas de cine y en definiciónde toda una corriente
cinematográfica.¿En qué nos basamos para afirmarque un libro es mejor que una
película? ¿Es válido comparar? El cine no solo ha necesitado de su hermana
mayor literaria desde sus inicios, sino que continúa expandiéndose con cada vez
más cantidad de adaptaciones de novelas, cuentos, mitos, obras teatrales,
textos periodísticos o tratados filosóficosmateriales de autor o anónimos.
Porque el cine, como cualquier arte, solo está alerta a la hora de encontrar
las fuentes de las buenas historias. En este recorrido de 50 títulos
cinematográficos,que abarca desde los comienzos del cine mudo hasta nuestra
época, los textos literarios son los protagonistas, pero también las
interpretaciones que han hecho sobre ellos distintos cineastas, guionistas,
equipos, estudios de producción, audiencias y lectores. Les invitamos a leer la
pantalla al igual que los libros: un portal a la imaginación y la diversidad,
donde cualquier cosa aguarda al abrir al azar sus páginas.
A lo
largo de su historia compartida, cine y política han mantenido una relación muy
estrecha, que va de la mutua necesidad al juego de espejos. El cine ha
documentado la evolución social y política de las distintas sociedades, pero
también ha sido utilizado como instrumento de propaganda ideológica. Al mismo
tiempo, la política se ha ido contagiando de la narrativa cinematográfica y ha
emulado a los héroes de la ficción. Conocer el cine político es entender la
diferencia entre denuncia y demagogia, entre posicionamiento y doctrina, y ver,
a través de géneros muy dispares, que la política está presente en toda
película de ayer y de hoy. En este libro se propone un recorrido por el cine y
la política a través de 50 títulos, algunos muy populares y otros urgidos de
una reivindicación, que ejemplifican su vínculo. Y los hay que son
fundamentalmente políticos aunque no parezcan pertenecer al género.
Que un
hombre muerda a un perro puede ser el detonante de una noticia… o de una
película. Cineastas e informadores comparten una misma pasión, la de describir
la realidad de modo más o menos subjetivo, armando una narrativa que le dé un
cierto sentido. Aunque no lo tenga. A su vez, los periodistas se han convertido
en personajes centrales de muchas ficciones, ya sean profesionales tenaces
enfrentados heroicamente a amenazadoras fuerzas corruptas
o granujas manipuladores capaces de todo con tal de satisfacer su obsesión por
la fama, la exclusiva y el titular. El cine ha contribuido a modelar el
estereotipo asociado a todos ellos, testigos necesarios que a menudo acaban
implicados hasta el fondo. Desde los galanes de traje y corbata, con su
identificación prendida en el ala del sombrero, hasta los blogueros que retozan
en ese nuevo campo sin puertas llamado internet, este libro repasa cincuenta de
las mejores películas sobre prensa escrita, radio y televisión; historias de
grandes logros, dilemas deontológicos y miserias cotidianas. ¡Que no paren las
rotativas!
El cine nació
cuando las ciudades comenzaron a transformarse en los complejos y problemáticos
lugares que habitamos hoy en día. Las poblaciones desde entonces fueron el
lugar donde se desarrollaron los argumentos de las películas, y llegaron a
tener en algunos casos un papel tan crucial como el de los protagonistas de
carne y hueso. En este libro se recorre desde el optimismo vivido en los años
veinte del siglo pasado, con la aparición de nuevas edificaciones como los
rascacielos, que transformaron las grandes ciudades, hasta las fascinantes
metrópolis actuales de países con economías en expansión, que al mismo tiempo
continúan sufriendo problemas de marginalidad y delincuencia. Las 50 películas
seleccionadas son primordiales para poder estudiar, y al mismo tiempo entender
y llegar a conocer, cómo ha sido esa evolución de la ciudad hasta la actualidad,
así como para constatar la influencia de la imagen en movimiento en esas
poblaciones.
Gracias a la capacidad del cine para hacernos
soñar, millones de personas han podido navegar por mares y océanos. Desde los
albores del cinematógrafo se han producido películas sobre el mar, en ocasiones
—aunque escasas—, potenciando sus bondades; en otras —demasiadas—, explorando
su peor vertiente: las tragedias de los naufragios y la inmigración, la
delincuencia de la piratería o del narcotráfico, la ambición de conquista, la
precariedad de los pescadores… Pero, a pesar de la brutalidad con la que a
veces se manifiesta, el mar suscita un atractivo —quizás atávico porque de él
surgimos— que provoca que se contemple con admiración, tanto en su agitación
como en su calma.
La producción de westerns en Europa nació en España hacia 1962 como una
esforzada imitación de los modelos hollywoodianos. Pero, a raíz del éxito de Por un puñado de dólares,
fueron los italianos quienes remodelaron completamente el género desde una
perspectiva iconoclasta que conectó enseguida con un público joven que ya no se
creía a los inmaculados cowboys
y sus gloriosas hazañas. ¿Qué ofrecían los casi 600 westerns rodados a orillas del
Mediterráneo entre 1964 y 1978? Antihéroes de nombres tan improbables como
Django, Sartana o Sabata; peripecias extremas que combinaban la violencia
exacerbada con un humor cínico que nunca aclaraba quiénes eran los buenos y
quiénes los malos (aunque los banqueros jamás pertenecían al primer grupo);
soluciones visuales tan barrocas e hiperbólicas como los
fondos musicales…; y, entre los extras, el único western realizado por una mujer y
el, también único, beso en la boca entre dos feroces pistoleros.
La locura siempre ha vivido en el lado oscuro de nuestra sociedad. Nuestra historia atestigua épocas de encierro, rechazo, miedo o puro morbo en torno a las personas que tienen un trastorno mental. El cine, siempre interesado en retratar el alma humana en toda su complejidad, nos ha abierto una ventana a las vidas de esos locos, de sus familias, de los tratamientos a los que han sido sometidos y del contexto social en que han tenido que vivir. Relatos que reflejan sufrimiento y dolor, pero también superación y conciliación. Este libro presenta 50 de esas historias, 50 narraciones llenas de seres imperfectos pero a la vez geniales que viven la realidad a su manera. Porque la locura no es única y tiene muchas caras, y el cine ha sido capaz de retratar muchas de ellas.
América
pronto se dio cuenta de su valor mítico. La historia transfiguró en leyenda y
los hechos se diluyeron en el relato. La conquista del territorio, el avance de
la civilización, los hombres y las mujeres de la frontera en expansión cuyos
nombres y hazañas, por lo común violentas, pasaron a constituir una verdad
contada. El wéstern, versión en movimiento de las dime novels, significó
la primera experiencia del cinematógrafo con el espacio abierto y se convirtió
en la maquinaria a través de la cual se transmitía el relato mítico de la
fundación. Género americano, el wéstern se fue oscureciendo en el reflejo tanto
de su tiempo presente como del histórico que recrea. La estilización dejó paso
a la introspección, la emoción de la aventura, a la melancolía de la pérdida.
El wéstern se convirtió en un modo, ético y estético, de estar y contar un
país. Un paseo por las estaciones del wéstern y una antología de 50 títulos
componen esta aproximación a un género que, en sí mismo, sintetiza lo
cinematográfico: el gesto y el movimiento.
Pese a proporcionar a la historia del cine no pocas obras
sobresalientes, el melodrama sigue siendo un género considerado menor por
especialistas y público cinéfilo. A ello han contribuido varios factores: sus
orígenes literarios degradados; su antigua condición de «cine para mujeres»; su
multiplicidad de variantes, enfoques y perspectivas; la habitual contaminación
con otros géneros… Todo ello ha hecho del melodrama un modelo narrativo difuso,
escurridizo y lleno de sombras. Sin embargo, lo melodramático es crucial para
entender la evolución de la cultura del siglo XX
y la vida cotidiana del ser humano contemporáneo: emocionante iconografía,
hiperbólica dramaturgia, densas estructuras narrativas y sugerente puesta en
forma. El melodrama se ha convertido en el vehículo más apropiado para que el
cine hable de dolor, infelicidad, sacrificio y melancolía. De ahí que estudiar
los mejores melodramas de la historia sirva como apasionante ejercicio de
análisis de la propia naturaleza del cine y de la complejidad del alma humana.
La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos
remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo
el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente
legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión
que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa
del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa
violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres
queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del
ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea
para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico
o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la
audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y
estará presente en el devenir del género humano.
¿Existe un cine de superhéroes? ¿Son la infantil o incluso fascista representación de fantasías dañinas, o un mito moderno que hay que saber leer? En las nueve décadas que el superhéroe ha existido en nuestra cultura, su figura y sus aventuras han servido a muchos fines, desde el puro entretenimientoy evasión al más descarnado retrato de nuestras limitaciones y mezquindades. Y eso ha sido así en el papel, en la radio, en la televisión y en el celuloide. En este libro recorremos la historia del superhéroe y el supervillano en el cine proponiendo 50 títulos que reflejan cómo se han expresado en cada época, los elementos artísticos, narrativos y empresariales que han formulado,y los hitos que han llevado a su actual explosión y dominio de la taquilla. Del Capitán Maravillas al Joker, de Lex Luthor a Thanos, de los Fleischer a Shyamalan. Más poderosos que una locomotora o armados con una simple llave inglesa, esta es la historia de cómo los superhéroes han encarnado imposibles, creado mundos y cambiado el cine.
El cine de la infancia es, en sí mismo, un macrogénero
por el que cineastas de todo el mundo han mirado hacia su pasado más añorado
con intención de recuperarlo. Y es que la infancia no es solo territorio de
los niños.
El recorrido fílmico de Paraísos perdidos enfoca
su interés tanto en los más pequeños y su mundo particular como en la
relación de los adultos con su propia niñez. La nostalgia por el paraíso
perdido contrasta con la incomprensión mutua entre el universo infantil y el adulto.
Así, el cine ha mostrado mil y una caras de los
infantes: víctimas o verdugos, a veces ambos; libres o en cautividad;
protegidos o protectores; presos de la realidad o refugiados en la fantasía;
espejo de las miserias de individuos y sociedades...
Como el
cine nació en Europa (con permiso de Edison), no ha de resultar extraño que le
gustara evocar aquellas épocas que habían sido las fuentes de lo que conocemos
como civilización occidental: el Oriente mediterráneo por su vinculaciones
religiosas, Grecia por su arte y su literatura, Roma por su sentido de la
organización social y política, y Egipto por considerarse un «descubrimiento» de los
arqueólogos europeos. El primer personaje histórico que protagoniza una
película, en una fecha tan temprana como 1896, es el emperador Nerón, seguido
un poco después por Jesucristo. Este libro propone un recorrido por más de cien
años de cine sobre la antigüedad a través de 50 títulos, empezando en Italia en
1908 con la primera versión de Los
últimos días de Pompeya, y acabando en el Japón de 2012 con Thermæ Romæ, una curiosa fusión de manga y péplum.
La muerte, por definición, es un
efecto terminal que resulta del cese de las funciones vitales de un organismo.
Esto es, la extinción de la vida. Y puede producirse por causas naturales —por
enfermedad o vejez— o por causas inducidas —por accidente, homicidio, suicidio
o demás. La ciencia ha discutido sobre la naturaleza de la vida y por tanto de
la muerte, y también sobre el umbral que separa una de otra. Igualmente, más allá de la ciencia, la
muerte ha sido objeto de reflexión de la filosofía y, por extensión, de la
humanística o el arte. Y en el campo cinematográfico, ha sido y todavía es,
junto a la vida o el amor, uno de los temas más recurrentes. Los cincuenta
títulos que se analizan en este libro son ejemplos de todo ello.
La
segunda mitad del siglo xx en España estuvo caracterizada por una serie de
cambios que tuvieron su punto de inflexión con la muerte de Franco y el fin
de la dictadura, una sucesión de transiciones y transformaciones que, sin
duda, marcaron el devenir de la sociedad actual. El recorrido que se propone
con las cincuenta películas seleccionadas pretende mostrar cómo afectaron
todos estos cambios sociales, económicos, políticos, culturales y emocionales
a la población española; trabajos que hablan de la apertura de España al
exterior y la llegada de la modernidad, pero también de la salida de un
Régimen que durante cuarenta años había paralizado en muchos sentidos al
país.
Sin duda, el terror se hace más amenazante cuando el monstruo, el mal demoníaco o los sucesos paranormales abandonan sus moradas habituales y se refugian en el hogar. La casa encantada ha sido un motivo presente en el cine fantástico y de terror desde los inicios como representación de lo que más tememos, convertir el espacio íntimo y seguro en un infierno. Este libro propone un recorrido por las casas encantadas en el cine desde los primeros cortometrajes mudos hasta los últimos éxitos del nuevo terror, como Expediente Warren o Verónica, pasando por oscuros castillos, mansiones misteriosas, casas fantasmales y pisos siniestros.
Si
pudiéramos viajar en el tiempo, ¿a dónde iríamos? ¿A revisar nuestro pasado o
a conocer nuestro futuro? ¿Querríamos cambiar algo de nuestras vidas o nos
limitaríamos a ser testigos pasivos de la historia? Estas son solo algunas de
la infinidad de preguntas que se plantean en las películas de viajes en el
tiempo, una de las manifestaciones más recurrentes del cine fantástico de
ayer y de hoy. Es un tema que traspasa las fronteras de los géneros y que
adopta múltiples formas. Entender el concepto de viaje en el tiempo es comprender mejor la misma función del cine, lleno de
viajeros que, como los cineastas y los espectadores, juegan a desafiar los
límites de su existencia. Este libro
propone un recorrido por 50 títulos fundamentales que demuestran que los
protagonistas de películas como Regreso al futuro o Atrapado en el tiempo no están
solos en su aventura contra el reloj.
Este es un libro sobre el cine negro, un género tan escurridizo que resulta difícil seguirle la pista a lo largo de la historia del cine: el noir se escapa como un falso culpable a la fuga, escondido entre oscuros callejones. Puede ser una inmersión en el mundo del crimen, pero también es una estética de claroscuros, flashbacks y voces en off, y sobre todo es un estado de ánimo apesadumbrado, definido por el signo trágico de la fatalidad. Este volumen persigue las pistas del cine negro a lo largo de la historia, desde su período de esplendor, en las postrimerías del Hollywood clásico, hasta sus mutaciones más recientes. Lo hace indagando en el vínculo inquebrantable entre el género y la fatalidad, que aparece en el noir de la mano de la ambivalente figura de la femme fatale, de la moralidad agrietada de sus héroes o de sus funestos y arrebatados desenlaces.
La presencia pictórica en el cine no se agota en las
múltiples versiones
de El retrato de Dorian Gray o en las biografías
de artistas plásticos,
retratados para la gran pantalla a través de sus
obsesiones. El recurso
a la pintura ofrece un amplio abanico de posibilidades
que abarcan la
inspiración de la puesta en escena, la recreación de
conocidas obras
pictóricas, la construcción de un espacio simbólico a
partir de cuadros
concebidos expresamente para el celuloide, el perfilado
de personajes
a través de lo pictórico e, incluso, su empleo como
materia de sueños
y pesadillas. Su presencia es un recurso para reflexionar
sobre los
sistemas de representación visual mediante directores que
no han
podido escapar a su influjo.
Esto es tan solo una muestra, como si del tríptico de una
exposición
se tratase. Visiten la galería completa: 50 películas que
nos hacen ver
la pintura y el cine con otros ojos.
El cine de los países escandinavos siempre ha estado relacionado con la profundidad y la solemnidad de las películas de Bergman y Dreyer. Temas como el existencialismo, la insignificancia del ser humano frente a la naturaleza o el sentimiento de culpa emparejado a la religión luterana, han formado parte del séptimo arte nórdico. Sin embargo, el cine escandinavo es mucho más que eso, ya que, al hilo de una producción fílmica más de arte y ensayo, el cine comercial relacionable con los géneros más tradicionales y populares también ha tenido un desarrollo importante por esas latitudes. El recorrido que proponemos con 50 de las películas más representativas de la filmografía escandinava pretende recorrer la historia del cine nórdico a través de filmes emblemáticos de los cinco países que nos atañen: Suecia, Dinamarca, Noruega, Islandia y Finlandia. Desde un punto de vista cronológico, partiremos de los años veinte del siglo XX y nos detendremos un siglo más tarde. Dreyer, Bergman, Lars von Trier o Kaurismäki, lógicamente, formarán parte de nuestro recorrido, así como movimientos como el Dogma 95 o el nuevo cine islandés, sin olvidar filmes desconocidos o no estrenados en España, así como rarezas y grandes éxitos de taquilla en sus países de origen.
Decía Godard que el cine no es un
arte que filme la vida, sino que está entre el arte y la vida, y ese puente
entre los dos juegos de reglas queda paradigmáticamente representado por un
género que, como el Anillo Único, puede gobernarlos a todos: el musical. Desde
el mismísimo origen del cine sonoro, los musicales han sido esenciales para el
séptimo arte. Han creado estrellas, levantado y hundido estudios, servido como
impulso artístico y como mero espectáculo, se han pasado de moda y han
resucitado. Pero, sobre todo, han dejado en sus espectadores un rastro de
canciones y bailes que perdura mucho más allá del tiempo que pasan en la sala
de proyección. Este libro incluye un repaso por la historia del cine musical
occidental, explora los mecanismos particulares del género y analiza 50
películas que pueden explicar su evolución a través de las décadas. Como exclamaba Roy Scheider entre el arte y Bob Fosse: It's showtime!
¿Qué
es lo real? Tradicionalmente, el documental se ha entendido como lo opuesto a
la ficción, como aquel género que documentaba la realidad. Sin embargo, a
poco que indaguemos en sus muchas ramificaciones, comprobaremos que lo real
se nos escurre de los dedos, que de hecho es inalcanzable. En su lugar,
tendremos que lidiar con la verdad que vive en la mirada de cada cineasta.
Este libro propone un viaje apasionante a través de 50 obras que revelan la
enorme complejidad del documental, sus formas mutantes y sus vericuetos
éticos. Un trayecto en el que caben hombres con cámaras, metrópolis incipientes,
esquimales cómplices de la ficción, fascismos y genocidas, leyendas del rock
y del ring, surferos y revolucionarios, grafiteros y espigadores. Toda una
aventura dispuesta a rasgar las paredes de lo real. A replantear, en cada
paso, nuestra mirada sobre el mundo y aprender a campar por la incertidumbre.
La muchedumbre parisina manifestándose enfurecida, la reina enfrentada al pueblo en el balcón de Versalles, acalorados discursos en la Asamblea Nacional, la Declaración de Derechos del Hombre y del Ciudadano o la guillotina, siniestra desde un desafiante contrapicado, son algunas de las imágenes que integran el caleidoscopio cinematográfico de la Revolución francesa. Contradictorios y a la vez inequívocos símbolos del proceso revolucionario, certifican la imposibilidad de representar de forma unívoca su acelerada acumulación de sucesos, conmociones, reformas políticas, constituciones, formas de gobierno y de represión. El carácter pendular de la Revolución hace oscilar el poder y la crueldad de un extremo a otro, y la convulsión histórica que supone para las sociedades contemporáneas no tiene precedente. Cada filme que regresa a ella añade, en su mirada sobre un tiempo de ilusiones y atrocidades anudadas, otro estrato que nos habla sobre su propia época.
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11. Canvis en aquesta política de privacitat
La present política de privacitat ha estat establerta amb data 11/07/2018. OBERTA es reserva el dret de modificar aquesta política de privacitat per adaptar-la a novetats legislatives o jurisprudencials.
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